pg电子平台据不完全统计，2009年所发行的欧美唱片数量约为1179张，这还不包括那些未登记注册和没钱发片的。我们从这上千张专辑中挑出50张自认为最好的。（按乐队名里的英文字母表顺序排练）
Air在这张专辑中停止了他们此前复杂的探索，与上张作品《Pocket Symphony》请来Jarvis Cocker、Neil Hannon等合作艺人，并尝试十三弦古筝、三味线等日本乐器的方式不同，Air此次回归到他们最原始的阵容和配器模式当中。Jean-Benoit Dunckel独自一人担任了专辑所有歌曲的演唱工作，其迷人细腻的嗓音常常会让人误以为是客串的女声。总体说来，这张专辑在降低了实验性的同时，也突出了Air一贯的旋律性特色。其中《Be A Bee》的复古旋律听来有如80年代间谍电影的配乐，为专辑中最具特色的作品之一。
在两年前发行《Armchair Apocrypha》时，人们惊喜地发现这个一贯喜好将民谣与古典相揉合的艺人，也开始尝试着向独立摇滚领域进发了，这被看作是他往后极有可能继续探索的方向。然而待到《Noble Beast》的发行，Andrew Bird却出乎意料地回归到了早期的田园派曲风当中，口哨和原声乐器依旧占据主导。在听一两遍之后还无法抓住唱片的重心，其实是许多人在拿到这张新作时的第一感受。但不可否认的是，《Noble Beast》绝对是一张慢热的唱片，它适合在某个安静闲适的下午聆听，那样你会更容易发现它微妙的大自然气息。
可以说，这是Arctic Monkeys第一张具有争议性的专辑，在这之前，无论是2006年的《Whatever People Say I Am, Thats What Im Not》还是2007年的《Favourite Worst Nightmare》，都是无可争议的大热唱片。但如今时隔两年之后，“猴子”们却突然没了往日大玩车库复古的劲头和气质，《Humbug》之所以有所争议，正在于它弱化了乐队的一贯特色，取而代之的是更为舒缓和更具迷幻气息的作品。但换一种角度来看，这也是Alex Turner在沉淀之后带来的更成熟作品，他至少让人领略到了他的另一面才华。
Athlete的主唱Joel Potts在专辑面世前曾信誓旦旦曰：“这是我们有史以来最棒的一张专辑！”对此说法我们各有保留意见，但毫无疑问关于“这是一张优秀专辑”的结论是肯定且统一的。在这张专辑中你可以一如既往见识到你所喜爱的关于Athlete的一切：极佳的旋律性、大气精湛的编曲与混音以及首首写入人心的歌词。此外管弦乐、合成器与其他电子元素的加入则丰富了音乐的层次，既强调了音乐的可听性，又保证将作品在适合主流大众的同时具有自我标准和高度。很显然，作为一支不打算以标新立异和追逐时髦来取得关注的英伦乐队，Athlete比任何时候都清楚自己适合什么，擅长什么。
Bat For Lashes也就是独挑大梁的Natasha Khan很张扬，但她的路子和别的同类艺人不一样。不需要泼辣尖刻，也不用在音乐中挑眉瞪眼骂前任，Natasha Khan苍凉的声音中有一种难以言说的魔力，而那来自外太空靡靡之音一般的艺术范儿编曲也总是让人不自觉沉溺其中。该小妞儿凭借2006年的第一张个人专辑《Fur And Gold》在英伦一带赢得不少评论嘉奖，而从这次的《Two Suns》来看，很显然她的目标已不止于此，想法也更加丰富和成熟——哪怕歌里说的情爱之伤、苍茫寂寥还多数是取自个人亲身体会。在这张专辑中，除了如梦似幻、由远及近的娜塔莎招牌烟嗓之外，专辑的配乐较之上张专辑更为大气，打磨也更加精细，艺术摇滚风骨明显。这么说吧，三年前的《Fur And Gold》妙归妙哉，但仍难逃有为吸引大众注意而添加某些包装手段的成分——比如用Bat For Lashes这个艺名代替本名；但时至今日，尤其在《Two Suns》问世之后，基本上我们完全有理想相信她可以走得更深远，而不仅仅停留在“范儿”的阶段。事实上她也不再需要了，《Two Suns》已经为我们提供了见识Natasha多重性的机会。
will.i.am一句“能——量——无——限——”，这张《The E.N.D.》就如他所言从年中一直红火到现在。Black Eyed Peas没有变，这依然是没心没肺的派对音乐，依然是完全不耗费大脑细胞适合大合唱的没营养歌词（你说，谁会在一首歌里从星期一数到星期天，并且反复“Tonights gonna be a good night”超过30次以上？），依然是你听第一遍便按捺不住风骚欲望的舞曲；Black Eyed Peas的确变了，因为《The E.N.D.》上没有了朗朗上口的副歌，没有了贴身肉搏的炽热感，取而代之的是冰冷的电子和生硬的合成器。可以说，《The E.N.D.》能让原本“瞧不起”Black Eyed Peas的清高人士不得不对他们另眼相看，这队精通商业流行之道的Hip-Hop组合不但能把饶舌变得通俗热情且平易近人，还十分擅长捣弄音频实验——如果前者是Black Eyed Peas精明能干懂得钻空子的表现，那么后者就充分证明他们是实打实的Hip-Hop音乐人了。来到Hip-Hop流行明显降温的2009年，《The E.N.D.》可以说是仅剩的全胜作品，也是无可置疑的派对音乐指向标，这不正是吗，Black Eyed Peas都玩儿电子，想不落伍就得赶紧了！
一年一张的高产量未必就代表着质量上有所折扣——起码这句话放在Brad Paisley的作品上是合适的。从2007年至今的三年里，Brad Paisley每年都用一张全新的叫好又叫座的录音室专辑交付市场与歌迷，用他一贯擅长的或诙谐生动或质朴煽情的歌词，以及纯熟精湛的器乐演奏和流畅顺耳的旋律打动人心。以上这些必杀技在《American Saturday Night》中一个也没有少，让人欣喜的是，和其中一首歌名《Welcome To The Future》一样，专辑中加入了电子合成器等元素也让唱片增添了不少未来感。
延续了Bob Dylan90年代以来三部曲（《Time Out Of Mind》《Love And Theft》以及《Modern Times》）中的布鲁斯及乡村摇摆乐风，《Together Through Life》以一份更轻松恣意、轻捏点拨的姿态把歌者的感受娓娓道来。这是一张充满50年代芝加哥布鲁斯元素的作品，乐队表现平平，尽管Dylan本人认为他们是“万里挑一”，但编配却无处不透着一股老套的风尘味。幸好，专辑一如既往地把亮点集中在Dylan的唱腔上，这个身经百战的老头子每个字句都拿捏得当，狠狠咬一口，未至见血，轻轻抚一把，只留余温，让你听罢他一连串既诗化也平实的唱词之后，能清楚感受到他嘴角的狡猾一抿。
尽管这张专辑在发行之后，口碑并不及两年前的《Lost Highway》好，一部分人认为Bon Jovi这次并没做出什么新意，玩的都是自己曾玩过的老一套。不过平心而论，《The Circle》还是保留了他们一贯的特色，Jon Bon Jovi和Richie Sambora的共同创作把听者带回到了80年代的硬摇滚风潮中，并且旋律依旧出色。对于始终保持着高创作率的Bon Jovi来说，突破自然是理所应当的事，但我们也不能指望每一张唱片都诞生出一首《Its My Life》。《The Circle》也许不够震撼，但值得你慢慢品味。
这似乎是《Hit轻音乐》自流行投机时代之后少有的，几近丧心病狂地这样推荐一支新乐队。作为一支在发片之前就已经饱受关注的新乐队，很显然我们可以毫无愧色地说，The Big Pink对得起这样的青睐。《A Brief History Of Love》是一张富有野心的专辑，我们可以从这张唱片上明显感受到Echo、My Bloody Valentine以及The Bunnymen的精髓糅合，而专辑中工业感厚重的汽锤式节拍以及颇为诡谲的玩味人声又加重了《A Brief History Of Love》的实验感。毫无疑问，The Big Pink用这张侵袭感强烈的唱片向世人证明了自己。本文为《Hit轻音乐》杂志提供给网易音乐的独家专稿，谢绝转载，违者必究！
习惯性四年磨一剑的Depeche Mode面对今年大范围的“回到过去”风潮会顺水推舟抑或逆流而上？从《Sound Of The Universe》的标题我们就清楚，这回他们要以“过来人”的身份向当下的后辈们演示何为真正的复古。Depeche Mode拿起了风靡七八十年代的模拟信号合成器以及多款老乐器，以打造太空漫游的画面。说他们是时光倒流把20年前的当家本领又挖出来把玩了一番也好，说他们用真正的前瞻目光把听者带到了未来世界也好，从David Gahan日益成熟的创作和演唱，到乐队越发成熟内敛的编配，《Sound Of The Universe》的确捕捉了Depeche Mode最犀利也最温柔的一面。
这张专辑在今年4月份发行时，就得到了几乎所有媒体的交口称赞，不出意外的话，它显然是逃不过年终总结的榜单的。现在8个月过去了，《Kingdom Of Rust》不可能还像当时一样被炒得火热，但当你仔细回顾这一整年发行的所有英伦独立唱片时，你就不得不再次为这张专辑拍手叫好。从2000年发行首张唱片至今，Doves的创作速率并不算高，但他们却始终保持着良好的创作水准。在距离上张《Some Cities》足足四年之后，Doves也算是交了一张最让人满意的答卷。《Kingdom Of Rust》的成熟和进步是全方面的，它不仅涵盖了乐队以往的招牌式特点，更营造出了前所未有的恢弘气势。《Jetstream》理应算作Doves历来最为出色的开场曲，出色的旋律辅以Krautrock流畅的电气化键盘，钢琴的点缀更可看作是整曲的神来之笔；同名作《Kingdom Of Rust》掺入了大量的交响乐器，瞬间就将整张专辑的气势提升了起来；《Winter Hill》则又回归到了典型的吉他流行曲中。
如果你是The White Stripes的忠实歌迷，如果你期望Jack White的每次出击都能像“白色条纹”那么具有杀伤力，那么面对The Dead Weather和他们的《Horehound》，你肯定有点没缘由的失望。没错，Jack White在这支乐队中一改往日的一贯曲风，拉来了三个与他同样诡异的家伙，制作出了这张风格更加阴暗元素更为庞杂的作品。来自The Kills的Alison Mosshart担任了乐队的主唱，相应地，Jack White则操起了他的老本行——鼓。另一方面，如果说《Horehound》并不像“Jack White式作品”那也并不惊奇，因为他仅仅是担当了专辑的制作人，从创作角度而言，他已经最大限度地共享了创作权。因此，我们没有必要再将The Dead Weather与Jack White的以往做过多比较，这完全可以看作是一支全新乐队。整张专辑未必会在第一时间就让你满意，但如果你能耐着性子多听几遍，你会发现这是今年难得的一张佳作。
鳗鱼先生那把蓄了好几年的大胡子终于有用武之地了——唱一张名为“狼人”的专辑，当一回像模像样的狼人，试问又有什么比狼嚎声更适合诠释人类的七情六欲？在这张以欲望为主题的概念专辑中，鳗鱼先生把自己想象为长大成人的狼孩，淡淡地洞悉着一切，爆发起来惊天动地，一哭一闹都变得尤为真实清晰。这里面有狂风骤雨的《Lilac Breeze》、厚实的《Tremendous Dynamite》，也有小调怡情的《In My Dream》和淡漠的结尾曲《Ordinary Man》，鳗鱼先生在走出失去家人的阴霾之后，依然给我们献上了一张载满情绪的动人唱片。
Eminem回来了，带着一张褒贬不一的《Relapse》。这张写满Eminem阴暗精神历程的专辑甚至可以归类为Horrorcore，因为当中包括了谋杀、、吸毒、自残等幻想情节，以及难以辨识现实和幻觉的痛苦深渊。Eminem依然喜欢拿那些他看来缺乏思考能力的名人红星开涮，但从一长串的点名名单我们可以看出，他还是活在几年前，那个他说的每个字句都能引起争议的年代。Eminem并非不清楚何为时过境迁，在所有人都抱着看客的心理围观他的复出状况时，他保持着清醒的头脑，并且深谙留得青山的硬道理，那就是歌迷。Eminem以般的快嘴表现再次把听众和围观者给震慑住，配合内容阴暗的歌词，整张《Relapse》呈现出惊人的张力，绝对能让引颈期盼的歌迷大呼过瘾，尽管在评论眼中这显得有点不合时宜，甚至不够时髦。正如Eminem在今年VMA获奖时所说，他由始至终感激不尽的就是歌迷，他们的支持正是其重回舞台的动力，就像重拾过往的惯，但这次不是小药片，而是麦克风。
《Embryonic》不仅是The Flaming Lips有史以来的第一张双张专辑，更是他们至今最为优秀的作品之一。Wayne Coyne把他能想到的所有构思都融入到了这张唱片中，与之前几张作品略有不同，《Embryonic》被媒体形容为“Joy Division、Miles Davis和John Lennon的综合体”。多位艺人的客串也成了这张专辑的一大亮点，其中不仅有MGMT、Karen O等艺人乐队，更是有德国数学家Dr. Thorsten Wormann，其实验野心可见一斑了。
将人从眼球从2008年末一直抓到2009年尾声的，Florence And The Machine算是一个。噱头不能说没有的，就像La Roux雌雄难辨的形象与高耸入云的刘海，高调张扬不吝各种出镜的Florence And The Machine也在音乐之外有着自己的经营理念，但市场终究还是要靠音乐说话的，显然这点她没漏下。我们已经在很长一段时间内没有听到这么出彩的“混血音乐”了，民谣、爵士揉入白人骚灵和电子，最后经由一个脸色煞白的有着颇有Kate Bush风骨的英国妞儿唱出来——这简直太对路子了。
如果说听Franz Ferdinand的前几张专辑让你禁不住跟着他们一起猛跺脚捣蒜般点头，那么听《Tongiht: Franz Ferdinand》只会让你更按捺不住猛抽风狂蹦跳的冲动，这帮子瘦弱男把大量New Wave舞曲和复古电子元素融合到专辑中，让人在唱片运转的几十分钟内感受到彻头彻尾的歇斯底里和胸腔放空。乐队这种怀旧味道十足的新尝试引来议论纷纷，然而从他们过去作品中我们不难找到这些纯粹、酣畅的纹理，而《Tongiht: Franz Ferdinand》则把这类元素结合今年的怀旧东风彻底放大。
Blur的迷人之处在于，他们除了有一个Damon Albarn这样永不消停的讨人喜欢的主唱，另外三个成员也总是让你无法忽略，因为他们从不停止变革和创新，不管是在音乐上还是生活方式上，你都要忍不住大呼一声“太有才啦！”作为一个低调行者，Graham Coxon有着自己怪癖别致的精妙美学，这从他的个人作品和合作专辑上均可略窥一二，比如这张《The Spinning Top》。这是一张让人听来舒服又没法忽略创作者才华的专辑，原声吉他、低吟浅唱、调侃嬉笑——这个冬天你不能少了它。
《21st Century Breakdown》的销量并没有《American Idiot》那样璀璨，可老痞子们看重的压根儿也不是这个。你以为这几个美国大傻瓜会继续“一招鲜，吃遍天”的旧法子，但《21st Century Breakdown》明明有比《American Idiot》更根深蒂固的个人主义情愫、更激进的说辞，而他们惯常主张的Rock Opera风格在此辑更是毫无保留地展现。凭借着“捏造”出Christian和Gloria两个在后布什时代下层阶级人士的清贫生活和喜怒哀乐，他们植入了最擅长的宗教、政治线st Century Breakdown》正像它的中文译名一样，在生活进行得七零八落地琐碎阶段，彻底而又决绝的崩塌。你能明显得从疾走的扫弦和老成持重的弦乐伴奏中咂摸出一种怀旧的味道，游走在80年代迫在解放眉梢的中下阶层的心坎儿里，代表着一种激进反叛的精神。可以说他们在这张专辑里把Classic Rock与本身一贯精通的Pop Rock来了次完美的融合，结合乐评人的说法，他们塑成了一款有型有力，特别爷们儿的并且适合在大场地搞个荡气回肠的大合唱的史诗摇滚，正如他们所渴望的那样。本文为《Hit轻音乐》杂志提供给网易音乐的独家专稿，谢绝转载，违者必究！
首先他们是一支四人民谣组合，却在Techno厂牌下发唱片；其次和他们一起巡演的Radiohead吉他手Johnny Greenwood宣称Grizzly Bear是他最喜爱的乐队；而Fleet Foxes的Robin Pecknold则评价“《Veckatimest》是新千年以来最棒的专辑之一”。专辑一共12首歌，时长53分钟，分分钟值得认真聆听，分分钟不落下惊喜。和他们广受好评的上张专辑《Yellow House》不同，这回Grizzly Bear在歌曲的处理上更加大胆直接，并且“户外感”十分强烈。几乎从主唱Daniel Rossen开腔的那一刻起，所有景象都纷纷涌至眼前：高天厚云的辽阔、森林溪涧的湍急、教堂撞钟的肃穆……这一切都充满了令人震颤的庄严感，但又绝不是教徒式的哀鸣说教。专辑中人声的绝妙编排让人惊艳，无论是干净美妙的主声，还是似有天外之音般和谐的和音都让人爱不释耳。这绝对不是一张讨好听众耳朵的专辑，但倘若你对充满画面感的自然之声有几分喜爱，《Veckatimest》绝对是那张让你从按下播放那一刻开始就不能停止的年度唱片。
The Horrors在2007年发行《Strange House》时，多数人都将他们看作是一队发型怪异曲风老套的小丑，有人甚至形容，他们的音乐就像他们的名字一样可怕。然而两年之后，谁也没有想到的是，剪短了头发的The Horrors不仅形象大变，连音乐也有了十足的变革。《Primary Colours》被看作是2009年最具后朋克气质的佳作之一，The Horrors自然也成了“咸鱼翻身”的代名词。在这张专辑中，主唱Faris Badwan不再只是一味地发挥他神经质的唱腔，而是懂得了用更加内敛的方式去传达更为深厚的底蕴。与前作相比，《Primary Colours》加重了合成器的运用，对Shoegaze式的吉他音墙也有了更大幅度的涉猎，这使得这张唱片蒙上了一层厚厚的迷幻气息和艺术气质。凭借这张专辑，The Horrors甚至成为了媒体口中“未来几年内最值得期待的乐队之一”，从地狱到天堂，《Primary Colours》功不可没。
尽管这张专辑的封面有可能入选2009年度最差或最傻封面评选，但平心而论，这却是“猴王”Ian Brown所做出过的最好的专辑之一。《My Way》集合了Brown发达头脑中运转速度最快的音乐符号和元素，从典型的英伦开篇曲《Stellify》开始，到透着浓厚自赏派气息的《Always Remember Me》，再到有着碎拍节奏的《Marathon Man》，最终由一曲Northern Soul作品《So High》结束。整张专辑元素丰富，制作上乘，更是请到了说唱歌手Jay-Z客串其中，颇值得一听。
Jay-Z以《D.O.A. (Death Of Auto-Tune)》为《The Blueprint 3》预热，与其说他是借机炒作，还不如说是在故意挑逗舆论和观众的神经。在人人都以人工调节唱腔为“荣”的当下，Jay-Z偏要五音不全地唱着副歌，宣告Auto-Tune之死，这样的行径没有足够底气是无法完成的，《D.O.A.》向大家暗示了《The Blueprint 3》的定位——这不是一个还在努力向上爬的歌手，这是一个处变不惊的行业大鳄。承继了Jay-Z近年来常用的“少温故，多知新”主题，专辑中几乎每首歌都可以做单曲，制作质量和艺人表现也堪称完美，没有过多更新突破，也绝无让人可挑剔之处（如果滴水不漏也会成为被挑剔之处则另计）。在新人辈出的饶舌圈，年届四十的Jay-Z已经到达逢出手必是佳作的地步，更何况这张相对保守的《The Blueprint 3》绝非倚老卖老的赝品，而是对得住Jay-Z名号的佳作。
可以说，英国的光头党们在很长一段时间内不用愁没有好的派对背景音乐了。在上一张为他赢得万众瞩目与各种荣耀披身的《Panic Prevention》发行两年半后，Jamie T带着这张糅合了Ska、Punk、Hip-Hop的全方位多角度“跨界”专辑再一次惊艳了乐坛。专辑中秉承着Jamie T一贯引以为傲的混不吝，不管是诙谐狡猾的歌词还是宛若Alex Turner与Dizzee Rascal齐来附身般的编曲都让人大为欢乐。当然，《Kings & Queens》也漏不掉他那本色伦敦口音以及念念不忘的Joe Strummer——The Clash理当为你感到自豪。
你都没法数过来今年到底有多少杂志封面上出现了Kasabian，音乐类、时尚类、生活类……不一而足。Kasabian和那些咒骂媒体的摇滚乐队不一样，他们配合各类宣传，喜欢镁光灯，真心享受这些赞美和成绩，并不以过度关注为耻，也不担任是否这样“无孔不入”会败坏了名声和前途——很显然，他们的野心不仅仅在于成为一只优秀的摇滚乐队，因为他们早已经是了；他们也不只单纯忘我地想着要做好一张专辑，事实上他们所做的每一张专辑都让你无法指摘。他们是要成为一个Icon级人物的，比如像当年的Oasis——哦，Sergio最近还在媒体上放了狠话：“Oasis走了，现在英伦乐坛就数我们最牛逼了！”然而这一切都是有资本的，他们并不是目空一切意淫万千的臭流氓，《West Ryder Pauper Lunatic Asylum》这张专辑已经提供了足够的证据。专辑中有来自中古世纪的历史题材、有流行、摇滚、电子与黑人音乐的糅合拼贴、有深情款款的异域式吟唱，当然还有Kasabian从不落下的高能量跳舞节拍！Kasabian是有着极大野心的乐队，这一点单从歌曲上便可见一斑——这不是好高骛远，更不是利益熏心，这是一种经历过打磨与锤炼之后，更加自信、诚实与精准的对以音乐作为职业的理解和尊重。
今年饶舌领域涌现了一批并不“寻常”的新面孔，Kid Cudi便是其中一个。身为Kanye West的正牌门徒，Kid Cudi在发片前所面对的压力可想而知，而《Man On The Moon: The End Of Day》总算为他呈上了一份令人满意的答卷，尽管他的“答题方式”有点蹊跷。此专辑乃一实验性极强的概念专辑，大量揉合Indie Pop、电子及摇滚元素。Cudi把自己想象成生活在月球上的孤独男人 ，恣意放大从小到大的生活感悟，从受朋友冷落到迷恋酒精药物再到走出阴霾，一系列早已烂俗的话题在他的一番编曲修葺之下显出不同寻常的异样光芒。
怀旧的、煽情的、温暖的、淳朴的、明快的……所有你能想到的关于小清新的一切美好都在这张专辑里。和一些单纯朗诵秋天落叶椰林树影，说着无关痛痒的小情绪的Indie Pop不同，Kings of Convenience显然希望通过歌曲诉诸更多的内容。专辑的前半段集中于个人情感思绪上，而从专辑后半段开始，KOC以城市迁移、政治跌宕等为题材，体现着他们私人感受之外更多的人文精神。此外，这个挪威二人组合的默契搭配也在专辑中充分展现，琴瑟合鸣，说的就是Kings of Convenience。
当十个新人里面有八个都跟自己一样走80年代合成器流行风，怎样才能突围而出？比谁玩复古玩得更纯粹？比谁更能在造型上先拔头筹？比谁更会跟媒体打好关系保持高曝光率？还是比谁在一连串的炒作哄抬之下仍能保持头脑清醒，并留足后劲？在这一系列的比较中，La Roux是一马当先的那一位，而这张专辑就真的像其单曲名字“In for the kill”一样所向披靡。一方面，La Roux是极其出色的80年代舞曲“模仿者”，乐队打造的合成器流行跟20年前风靡一时的模式如出一辙；另一方面，La Roux又深谙当今乐迷的心思，不但用乐不思蜀的节奏满足了人们缺根筋的娱乐要求，还以精益求精的复古潮人形象俘虏了众多爱以“时尚达人”自居的不明状况者。媒体在年初的预热是一回事，能用实质作品让听众和评论心悦诚服又是另一回事，在这一点上，La Roux算是有满分表现。
从某种层面来说，这张专辑的意义要远大于音乐本身——它是Manic Street Preachers的成员为失踪十余年的吉他手Richey Edwards所作的专辑，也是他们唯一一张所有歌词均由Edwards生前所作的专辑。但就是这样一张意义重大的唱片，却并未因此而弱化音乐上的可听性，专辑13首歌曲首首经典，堪称Manic Street Preachers近些年的最佳创作。换一种角度来说，这张专辑正因为有了Edwards的间接参与，因此它也是一次可贵的“全阵容”出击。这无论对于1995年以前的老乐迷，还是在那之后的新乐迷来说，都是一张不可不听的佳作。本文为《Hit轻音乐》杂志提供给网易音乐的独家专稿，谢绝转载，违者必究！
《Octahedron》更像是The Mars Volta的一张“迷你”专辑，所谓“迷你”，即唱片时间最短，歌曲数量最少——尽管其中不乏7、8分钟的长作，但对他们自己而言，这已经算是“小儿科”了。按照乐队成员Cedric Bixler Zavala的说法，这是一张“与过去截然相反的‘流行’唱片”。在这张专辑中，你已经压根找不到他们以往动辄超过10分钟的巨作，然而正是这“短小精悍”的8首歌，却蕴含着极其丰富的实验元素和前卫色彩。单单从开篇曲《Since Weve Been Wrong》精妙的吉他中你就能够看出，The Mars Volta在音乐上的野心是永不止歇的。
2009年是金属乐队集体发片的一年，如果论及这一年最为出色的金属唱片，Megadeth的《Endgame》当仁不让可以被评选为最佳。这是一张既有Old-School风韵，同时又不缺乏现代气息的作品。主唱Dave Mustain的创作力在这些年丝毫未减，关于这一点，你可以回顾乐队近些年所发行的几张唱片，你会发现它们无一例外都是当年最热门的金属专辑。《Endgame》延续了乐队一贯的生猛活力和强劲的吉他Riff，大气磅礴的鼓点和碎裂感极强的镲片每一击都足以震撼人心。在重金属风潮已不及当年火热的今天，Megadeth无疑还是最具王者气质的。
无论是《Life In Cartoon Motion》抑或《The Boy Who Knew Too Much》，只要听罢Mika的歌，每个人都能感受到犹如刚看完迪斯尼动画般的童真和美好，尽管Mika本人认为后者已经不如之前的单纯了。Mika在《The Boy Who knew Too Much》上的成长显而易见：旋律依旧像童谣般朗朗上口，但层次却丰富了不少；编配依然以古典乐的运用为最大特色，但他终于摆脱了卡通配乐般的编曲模式，出落得更像英式流行；他依然爱站在旁观者的角度观察这个世界，但这回却多了点坦荡和不安，甚至带着些许哥特气息。如果说《Life In Cartoon Motion》是Mika童年的故事，那么《The Boy Who knew Too Much》便是他纠结的发育期日志，时晴时雨的心情一直笼罩在专辑的快乐旋律上，让听者能从儿时的快乐回忆中看到成长后的无奈现实。当Mika活蹦乱跳地诉说着成人世界的困惑，谁不会笑着慨叹自己感同身受？
和上一张专辑《Last Night》浓浓的舞池氛围不同，《Wait For Me》展现的是富有哲学思辨的Moby。很显然，这是一张为自己而作的唱片，它不是为电台和排行榜、不是为习惯了《Play》和《Everything Is Wrong》中奔放热烈的氛围的老歌迷、更不是为唱片公司销量考虑的专辑，Moby这回在音乐的处理上十分私人化和情绪化，这张宣称以David Lynch为灵感启发的专辑正如同这位导演的作品一样：不可捉摸，妙不可言，而个中的言语和氛围，则需你亲自聆听方能体会。
十年前，Muse还是一支中规中矩的英伦乐队，尽管当时在他们音乐里就已经显露出了不小的野心，但真正实现这种野心，还是近几年的事情。2009年的《The Resistance》是Matthew Bellamy“私欲”的最大化呈现，他早就想做一张“具有古典气质的唱片”，如今总算达成心愿了。与三年前偏于电气化的《Black Holes And Revelations》相比，《The Resistance》多多少少还是保留了一些电音成分，特别是在《MK Ultra》和《Uprising》中，这种延续性表现得更为明显。此外，Muse还尝试了诸如《Undisclosed Desires》和《I Belong To You》这样曲风鲜明的作品。而专辑末尾处的《Exogenesis: Symphony》三部曲则是真正意义上的精华所在，Bellamy在其中充分展现出了他的古典音乐底蕴，以及他让人瞠目结舌的创作才华。因此，《The Resistance》是2009年最具野心的专辑，它的野心并不局限于摇滚乐领域，甚至还想敲开古典音乐电台的大门。
出道36年，发行第四张录音室专辑，这对New York Dolls这样一个老流氓团伙来说可真算上是慢工出细活啊。当然那些熟悉了David Johansen嚎叫的老歌迷要感到失望了，很显然这回乐队成员们并没打算做出什么让人热血沸腾的专辑，他们在芝加哥与拉美风情的布鲁斯根源系音乐中正浸淫得紧。新血液的注入让NYD面貌有所改观，而经过岁月的锤炼之后，老家伙们悠然自得笑看人生的心境也毫无顾忌地舒展了出来。总而言之，这是一张相当不错的海滩风情唱片，倘若你不再死咬“朋克”二字不放的话，放宽心，它会让你听得浑然忘我，自得其乐。
Norah Jones回归摇滚？还不如说这是一个饱受情伤，失去爱人呵护，没有乐队护航的女歌手脱离自出道以来一直遮风挡雨的庇护所，独自一人闯荡世界后的杰作。来到Jones第四张专辑《The Fall》，我们终于能在她身上看到明显的变化——她不再是当年那个细声哼唱着即兴小调，顶着数不清的格莱美金唱机却始终无法摆脱“催眠琼斯”称号的流行爵士天后；她摇身一变，剪掉拖沓的长发，拎起了吉他，唱起一直潜伏在她过往专辑字里行间的布鲁斯、乡村甚至Indie Rock。更换班底对Jones是显而易见的好事情，因为她成功跳出头三张专辑的沉闷爵士框架，重拾她初出道时带给人们的清新惊艳，只是这一次用的不再是钢琴与鼓，而是键盘和吉他。Jones的整体演绎方式变化不大，甚至可以说其起伏还不如上一张《Not Too Late》来得激烈，但曲风和编配的转变则相当明显，所以《The Fall》是一张铁杆歌迷又爱又恨的新唱片。从成果看来，她与前男友贝司手Lee Alexander这段恋爱谈得轰轰烈烈，而无疾而终的结局带来音乐上的变化也是大家喜闻乐见的，尽管这听来有点讽刺。
尽管《Backspacer》在有些人的眼里已经与巅峰时期的Pearl Jam所创作的作品有所差距了，但不容置疑的一个事实却是，这张唱片几乎得到了所有媒体和评论的一致好评，并且它还是这队老家伙时隔13年之后重新在美国取得冠军成绩的唱片。如此显著的商业成绩自然会让人对这张专辑打起120分的精神，那么你便会发现其实它并不缺好歌。这张专辑中节奏畅快的作品和节奏舒缓的作品几乎呈对等的数量，Eddie Vedder编写旋律的能力毋庸置疑，乐队集体创作的模式也已到了无孔不入的默契度，比之以前则更加成熟了。
诡谲、妖魅、阴郁是Placebo掳获人心的关键词，也是他们横行主流、独立市场的独招，但这次我们却迎来了正面、积极、突破的Placebo。正如专辑标题及封套设计所示，这是一张充满完整感的“破四旧”专辑。不再是以往专辑中我们所熟悉的质疑、放纵、消极，《Battle For The Sun》不仅打破了我们对Placebo一贯的印象，也让他们从束缚多年的标签中成功突围。专辑的成功在于，新成员的加入为乐队注入新的能量，专辑制作方向上的转变让Placebo和歌迷都意识到另一种未料到的可能性，而在歌词的内涵外延上，Placebo这回则做到了令人欣喜的统一。此外，专辑在编曲与细节打磨上亦提供了层出不穷的惊喜。既有让人回味Placebo出发伊始风貌的《Kitty Litter》，又有仿若见证Placebo在风格探索上的几次变革的《Ashtray Heart》《Bright Lights》。此外，弦乐、电音与键盘的穿插启承则构成了专辑中提示“积极”主题的最主要元素，让“Battle For The Sun”的宣言更具听觉说服力。总而言之，Placebo这次的“黑暗出走”对他们来说，不可不谓为一个新的里程碑。
毫无疑问，这绝对是2009年最残暴凶猛的唱片之一，The Prodigy在睽违五年之后推出的第五张录音室专辑就像在年中为乐坛狠狠鸣了一枪一样，让人措手不及，却甘为俯首。有人评价《Invaders Must Die》“好虽好，但绝不足以和以往经典作品相抗衡，甚至差一大截”，此话我们交待时间考证，暂不表态。很显然，在这张专辑中我们又见到了The Prodigy最根源性、最原始的一面。凌厉迅速的Old School节拍势不可挡，全张专辑以极富攻击性的语言和氛围将人层层包裹，而The Prodigy一贯的地下精神风貌也随着歌曲的行进展露无遗。本文为《Hit轻音乐》杂志提供给网易音乐的独家专稿，谢绝转载，违者必究！
现实无奈、、星途“惨淡”、生活苦闷——如果Robbie Williams在五年前把这样的题材摆到专辑中，我们只会模仿他的一脸坏笑，草草把这样水深火热的话题打发掉，并跟他继续载歌载舞；但五年后的他把这一切娓娓道来，就显得特别真诚。《Reality Killed The Video Star》是Robbie久违乐坛的新作，从开篇曲伊始，我们便能感受到他努力回到乐坛前沿，既用心也乏力的境况。这是一张非常Robbie Williams的专辑，跟《Ive Been Expecting You》跟《Sing It When Youre Winning》十分相近，唯一的区别，就是他成熟了、沉稳了，不再像以前那么气焰嚣张。
《The Eternal》是Sonic Youth从Geffen转签到Matador旗下之后所发行的第一张作品，他们告别了在之前两张专辑中所尝试的阴沉和苦闷，转而回归更早期的青涩和生猛，这是一次集体式爆发。乐队在这张专辑中继续启用《Rather Ripped》的制作人John Agnello，并且首次加入了新成员Mark Ibold。在无调式演奏的道路上，Sonic Youth一次比一次走得坚定，此次的开篇曲《Sacred Trickster》便是最好的证明，这理应是他们自1992年的《100%》之后最噪烈锋利的开场曲；《Antenna》最吸引人之处并不在于花哨的技巧和结构的编排，反倒是两把吉他同时按着一成不变的扫弦；《Calming The Snake》继续沿用着乐队一贯的特殊调弦，极端不和谐的音符冲击在一起却产生了异乎融洽的声音，这便是Sonic Youth最耐人寻味之处；安静平和的原声吉他勾勒出《Massage The History》虚幻飘渺的画面，Kim Gordon让你听到她的另一面。
这对加拿大双生姐妹花从始至今就没停止过音乐上的探索。《Sainthood》可以算是Tegan and Sara继2002年的《If It Was You》之后最流行上耳的专辑，但流畅的旋律依然不掩专辑在风格上的实验与尝试。基于从Leonard Cohen一曲《Came So Far For Beauty》获得的灵感，《Sainthood》在歌曲主题上达到一个漂亮的高度，情感话题被处理得整齐划一、干脆利落，不落俗套。全碟歌曲多控制在3分以内，时髦的合成器、Old School范儿的根源摇滚元素和一如既往的吉他音墙以及爽快的节奏让人听得毫不费劲。很显然，Tegan and Sara这次的成长步伐迈得十分稳健。
红头发的Tori Amos直到今天，也依旧是大家所熟悉的那个“养蜂人”，她的外形没变，嗓音没变，创作没变，钢琴也没变；同样，她还和20年前一样在歌曲中唱着关于女人的一切线年的《Scarlets Walk》开始，Amos便始终保持着高速率和多数量的创作模式，曾经在《Boys For Pele》中尝试过方式如今延续到了每一张唱片中，每张专辑都被Amos塞得满满当当，《Abnormally Attracted To Sin》也不例外。这张专辑的17首歌每一首都讲述了一个女人的故事，Amos用她行云流水又略带沉思的钢琴辅佐着每一个故事的展开。开篇曲《Give》的键盘音效颇有游离外太空的感觉，Amos的嗓音如梦似幻，让人从专辑一开始就坠入了无限的遐思当中；《Police Me》颇具几分实验味道，弦乐、鼓击、吉他、键盘仿佛自成一体，轮番上阵，却又搭配得异常巧妙。
外界对于《No Line On The Horizon》这张专辑给予了相当积极的评价，它延续2004年的作品《How to Dismantle an Atomic Bomb》的风格，也让乐队与老朋友Brian Eno和Danny Lanois在新潮元素上体验了一把。《Magnificent》里时髦的节奏混杂跳脱的合成器元素，《Moment Of Surrender》加重了迷幻意境，老炮儿们并未一味地效仿流行，在Bono扭曲高昂的声音背后，依然是一副历经万千的沧桑。为了录制这张专辑，乐队在摩洛哥的Fez待了很长时间，或许是基于这个原因，《Fez - Being Born》点点的北非异域风情也就有了考证。这首歌可谓是U2新老风格的最佳结合体现，Intro的实验味道散去之后，大开大合的磅礴乐章奏起，鹰袭长空的壮阔感油然而生。你不得不承认，不管是有点儿坏瘪三味道的《Get On Your Boots》亦或者是关于Fez的颂歌，U2的角色转换在游刃有余之外，依然不忘时刻宣扬他们是作为20世纪末一支最伟大的乐队生存着。
尽管这是White Lies的第一张正式专辑，但早在这之前他们就已经凭借频繁的演出拉拢了不少乐迷，去年年末时，几乎所有媒体都预测“White Lies将是2009年最值得期待的乐队之一”，现在看来一点也不假。《To Lose My Life...》对合成器的运用极其广泛，却丝毫掩盖不住他们的后朋克气质，主唱Harry McVeigh的嗓音浑厚有力，将他拿来与Ian Curtis相比显然并不是没有根据的。但若比起Joy Division，或许White Lies与Bloc Party有更多相似之处，这尤其体现在《To Lose My Life》《A Place To Hide》等作品的副歌部分。专辑请来了曾与Suede、The Killers、Glasvegas等合作过的Ed Buller以及Max Dingel共同担任制作人，整张专辑的基调阴暗，氛围压抑，堪称2009年最为“黑色调”的唱片之一。专辑一经发行便得到了各界评论的赞赏，在2009年浮出的新人中，这绝对是必听的一张。
论开拓性和冒险精神，《Wilco (The Album)》远不及乐队之前的专辑如《A Ghost Is Born》，一张以乐队名称命名的专辑会以怎样的面貌示人，其实我们也心照不宣——Wilco要以最放松、最自然的状态出现在《Wilco》上。这是一张相当折中的唱片，以并不张扬的乡村摇滚为主线，适当点缀写电子元素、扭曲生效和实验气息，流畅旋律衬托在做工精良的编配之上，呈现出一派细致而大气的作风。《Wilco》没有多少刺激肾上腺素分泌之处，然而乐队能悠然自得地做着心仪的音乐，这已经是年岁沉淀的最佳体现。
组建于2005年的The xx说起来已经不算是一支新乐队，但直到今年，他们才凭借首张专辑《xx》赢得了所有媒体的注意。这张专辑弥散着浓厚的Dream Pop风情，出色的吉他旋律和双主唱是他们的最大特色，乐队成员曾声称自己身受R&B的影响，但在这张专辑中只零星地表现于个别作品中。开篇曲《Intro》被选作了广告曲，是专辑中最值得一听的器乐作品。在发行这张专辑之后，键盘手Baria Qureshi却因为过度疲劳而退出了乐队，目前他们尚维持着三人阵容。
2009年，似乎一半的艺人乐队都在忙着转型，这股转型潮从年初一直持续到年末还丝毫不减势头，Yeah Yeah Yeahs在今年3月推出的这张《Its Blitz!》便是一张成功的转型之作。其实在专辑发行之前，恐怕没有人会相信，曾经以利落和漂亮的吉他所著称Yeah Yeah Yeahs，会在他们的新专辑中舍弃这一法宝，转而采用他们此前并不擅长的合成器。在主唱Karen O的要求下，吉他手Nick Zinner对吉他的运用几乎降到了零，他在这张唱片中所要做的就是弹好键盘与合成器。这归根结底是一次大冒险，对任何乐队来说都如此，要么成功，要么就惨遭失败。《Its Blitz!》在刚刚发行的时候，其实面临着相当尴尬的境地，多数人对他们的这一转变感到吃惊和不适应。但所幸的是，这张专辑最终不仅得到了所有的人接受，更被人看作是今年最具突破精神的唱片之一。操着吉他的Yeah Yeah Yeahs可以霸气十足，拾起合成器的他们也可以充满灵气，这张专辑再一次证明了Yeah Yeah Yeahs的创作才华，并且是有别于以往的别样才华。
